Histoire de l'art - Les nouveautés Eté 2018

Les livres imprimés

Parmi nos nouvelles acquisitions, nous avons sélectionné pour vous :
 
 Foujita : peindre dans les années folles : exposition, Paris, Musée Maillol, du 7 mars au 15 juillet 2018

Fonds Mercator : Culturespaces, 2018

Protagoniste de la bohème des Montparnos, artiste de premier plan de ce que l'on a appelé plus tard l'École de Paris, touche-à-tout génial, Léonard Foujita mourait il y a très exactement cinquante ans. Celui qui fut une des grandes figures du Montparnasse des Années folles compte parmi les grands noms de l'art moderne, aux côtés de ceux de Modigliani et de Soutine, ses deux amis les plus proches, de Chagall, de Zadkine et de tous ceux qui firent de cette période extraordinairement féconde de l'histoire de l'art une sorte de néo-Renaissance. (4ème de couverture)
Picasso et les Ballets russes : entre Italie et Espagne : voyages imaginaires

Actes Sud : Editions du MuCEM, 2018

Entre 1916 et 1921, Picasso collabore à quatre spectacles de Serge de Diaghilev pour lesquels il réalise décors et costumes : les ballets Parade (1917), Le Tricorne (1919), Pulcinella (1920), et Cuadro flamenco (1921). Cette expérience expose le peintre au langage du corps et de la danse, lui inspirant de nouvelles possibilités formelles, qu'il mêle à des éléments empruntés au théâtre de marionnettes, à la commedia dell'arte, à l'art sacré ou encore au folklore espagnol. Confrontant oeuvres de l'artiste (toiles, dessins, esquisses, maquettes, costumes) et objets issus des collections du Mucem, l'exposition montre comment Picasso a su assimiler et réinterpréter les traditions figuratives de son temps, pour les placer au centre d'une nouvelle modernité. (4ème de couverture) 
 Tintoret : naissance d'un génie : exposition, Paris, Musée du Luxembourg, du 7 mars au 1er juillet 2018

RMN-Grand Palais : Musée du Luxembourg de Paris, 2018

Le présent catalogue, publié à l'occasion de l'exposition célébrant le 500e anniversaire de sa naissance, retrace l'ascension du jeune Tintoret (1518-1594) au cours des premières années de sa carrière, entre 1537 et 1555. L'ambition artistique et la puissance créatrice du jeune maître vénitien sont mises en lumière à travers peintures, dessins, gravures et sculptures traitant de thèmes religieux et allégoriques, mythologiques et érotiques - sans oublier ses portraits. Son oeuvre, qui éblouit en son temps ses contemporains et captive toujours notre regard, est ici traitée dans le contexte culturel de l'époque, nous entraînant dans un voyage au coeur de la Renaissance italienne.(4ème de couverture)
Chagall, Lissitzky, Malévitch : l'avant-garde russe à Vitebsk, 1918-1922 : exposition, Paris, Centre Pompidou, du 28 mars au 16 juillet 2018

Ed. du Centre Pompidou, 2018

"Avec obstination et autorité, en obéissant à la voix intérieure de notre conscience, nous proposons et imposons nos idées et nos formes, les idées et les formes du nouvel art révolutionnaire. Nous avons le courage de penser que l'avenir nous appartient."
Marc Chagall (4ème de couverture)
 
 L'historien de l'art : conversation dans l'atelier
Agnès Callu & Roland Recht

L'Atelier contemporain, 2018

Cet ouvrage obéit tout ensemble aux pratiques des sciences sociales et à l’exercice biographique. Il mixe l’aléatoire d’un parcours singulier et les jalons d’une trajectoire académique exemplaire, et prend le parti de la micro histoire pour tendre à la démonstration de problématiques générales, sous la forme d’une « conversation d’entre soi ». Libre, elliptique, à l’écart des censures, spontané dans le flux ou le silence, adroit pour arpenter les champs personnels sans rien dévoiler d’une vie privée, l’opus s’engage dans un récit à deux voix où le témoignage cède devant une analyse historique et historiographique « grand angle » de l’Histoire de l’art. Conduit au cœur du bureau devenu atelier mais multiscalaire lorsque le JE fait valeur pour cette pratique spécifique de l’histoire, ce dialogue propose les lignes et les courbes d’une vie intellectuelle qui traverse un second XXe siècle autant qu’elle le modèle et s’en saisit pour l’étude. (4ème de couverture)
Les femmes, la culture et les arts en Europe entre Moyen Age et Renaissance
sous la direction de Cynthia J. Brown & Anne-Marie Legaré

Brepols, 2016

Les articles de ce recueil traitent du mécénat bibliophilique, littéraire et artistique des femmes du Moyen Âge et de la Première Renaissance afin de préciser leur rôle dans la production écrite et iconographique, en contexte profane ou religieux. Quelle fut leur influence comme commanditaires ? Des oeuvres littéraires furent-elles traduites ou remaniées pour transmettre un message plus spécifiquement féminin ? De même, jusqu'à quel point les images des manuscrits enluminés, des livres illustrés et des tableaux peints furent-elles transformées ? Les approches pluridisciplinaires présentées ici révèlent un phénomène de féminisation culturelle avec ses exigences et ses limites. Ainsi s'éclaire de façon novatrice et originale le caractère réel du mécénat féminin en Europe entre les XIIIe et XVIe siècles. (4ème de couverture)

L'appel des images
Catherine Chalier

Actes sud, 2017

L'inflation actuelle des images risque de faire oublier une question essentielle : d'où vient la force des images si elle est irréductible aux commentaires qu'elles suscitent ? Comment comprendre qu'on se batte pour des images ou qu'on veuille les détruire ?
Cet essai de Catherine Chalier interroge l'interdit biblique de la représentation et il montre qu'il porte sur celles (picturales, verbales, mentales) du visible en tant qu'elles bouchent l'accès à l'invisible dont toutes les créatures vivent, et, par-là, à la liberté. Ce qui définit précisément l'idolâtrie.

Que signifie alors dans cette perspective que l'être humain soit « à l'image de Dieu » ? Une image qui n'est pas interdite puisqu'elle doit croître et se multiplier. Que perçoit-on quand on regarde cette image-là ? Quelle ombre protège-t-elle ? Quel travail intérieur doit-on faire pour s'en approcher ? Mais aussi comment porter son regard sur des images de visages violentés par l'histoire ? Même dans ce cas, il ne convient pas de s'interdire d'imaginer et dé figurer, mais il est en revanche certain que la manipulation de telles images à des fins partisanes fait courir un grand péril. (4ème de couverture)

 Du texte à l'image : l'interprétation savante des oeuvres d'art
sous la direction de Laurent Baridon & Pierre Vaisse


Presses universitaires de Lyon, 2018

Fonder la signification des oeuvres d'art sur des sources historiques, les étudier avec la même rigueur philologique que des écrits, telle est la méthode de François Fossier. Les contributeurs du présent recueil, de formations et de spécialités diverses, ont choisi de le suivre dans cette voie. S'il s'agit d'interroger les notions de « texte » et d'« image », il s'agit surtout d'étudier comment des artistes les ont utilisées et confrontées, mais aussi comment les historiens de l'art, à leur tour, peuvent procéder pour écrire sur le visuel.

Les études rassemblées explorent toutes les périodes, de l'Antiquité celte jusqu'au XXe siècle, et s'intéressent à tous types d'oeuvres : sculpture, peinture, décor, photographie et illustration. Les unes s'intéressent au texte de l'oeuvre, à son discours ; d'autres montrent l'importance du texte comme source de l'élaboration d'une image ou d'une généalogie de représentations ; certaines explorent les parentés esthétiques entre littérature et arts visuels ; d'autres enfin montrent comment le texte s'anime pour devenir visuel. L'ensemble constitue un volume d'une érudition foisonnante qui contribue avec bonheur à la réflexion contemporaine sur les méthodes de l'histoire de l'art.
(4ème de couverture)
 Zao Wou-Ki : l'espace est silence : exposition, Paris, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, du 31 mai 2018 au 6 janvier 2019

Paris-Musées, 2018

Présentation de polyptyques, de peintures et d'encres de grands formats réalisés par l'artiste d'origine chinoise Zao Wou-Ki issus des principales collections européennes et asiatiques. Les textes mettent en avant l'ouverture de l'artiste à d'autres pratiques, particulièrement la musique et la poésie. (Electre 2018)
 Peindre en France au XVe siècle
Yves Bottineau-Fuchs

Actes Sud, 2006
La France connut au XVe siècle une production picturale fondamentale participant pleinement du grand mouvement européen avec des maîtres qui ont pour nom: Jean Fouquet, Barthélemy d'Eyck, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment, Jean Bourdichon, le Maître de Moulins, Malouel... et dont les oeuvres proposèrent une synthèse originale entre les peintures flamande et italienne. Alors que les Flamands s'attachaient à la minutie du détail réaliste et que les Italiens révélaient les virtualités de la perspective, ceux que l'on appelle communément les «primitifs français» explorèrent une voie médiane, très novatrice sur le plan de la lumière, en suggérant la profondeur par le jeu du dégradé des couleurs. Si plusieurs pôles se dégagèrent alors, en Provence, en Lyonnais ou à Paris, c'est que les artistes étaient itinérants, liés qu'ils étaient aux commanditaires, tant princiers qu'ecclésiastiques. De ces mouvements qui ne se limitaient pas aux frontières du royaume, devait naître une production profondément originale, dont cet ouvrage présente une première synthèse vivante et éclairante.(4ème de couverture)

Les livres électroniques

Parmi nos nouvelles acquisitions, nous avons sélectionné pour vous :
 
  L'imagination esthétique : le regard de Vermeer
María Noel Lapoujade

María Noel Lapoujade développe une théorie générale de l'imagination esthétique autour de l'oeuvre de Vermeer (XVIIe siècle), mise en résonnance avec la géométrie d'Euclide et de Dürer, l'optique de Huygens, la philosophie de Spinoza, la mystique d'Ignace de Loyola. La lumière apparait comme le centre d'un tissu éthique, esthétique et épistémologique d'où émergent un regard très original et une profonde jouissance esthétique de la peinture. (Harmathèque 2018)
Le passage du musée
Jean-Louis Déotte

Les récentes destructions d'oeuvres au sein du musée de Mossoul, les attaques menées devant le Bardo à Tunis et la destruction partielle de Palmyre viennent rompre une certitude ancrée en Europe depuis la fin du XVIIIe siècle : celle de l'irréversibilité du mouvement "d'éducation esthétique de l'humanité". Car le Musée, cette invention européenne, a donné une nouvelle assiette à l'art, qui de cultuel est devenu culturel, qui de communautaire et devenu public, qui de réservé est devenu exposé au jugement de tous. Le musée est cet appareil démocratique qui a inventé l'esthétique moderne. (Harmathèque 2018) 
L'art rupestre d'Afrique : [actualité de la recherche] actes du colloque, Paris, [15-16-17] janvier 2014, Centre Panthéon & Musée du quai Branly
Manuel Gutierrez, Emmanuelle Honoré

Voici la représentation des recherches récentes et des données nouvelles sur la création artistique ancienne sur parois et dalles rocheuses du continent Africain. Cette publication couvre en premier lieu le nord du continent notamment la Tunisie. Pour l'Algérie et le Maroc, ce sont des données nouvelles qui sont présentées. Pour l'est, une vaste synthèse sur la Corne de l'Afrique, montre l'état de la recherche et présente des sites nouveaux à Djibouti. L'Angola, le Zimbabwe et la Namibie ne sont pas de restes ainsi que l'Afrique du Sud. (Harmathèque 2018)
De l'art cinétique à l'art numérique - Hommage à Frank Popper

Frank Popper est l'un des grands théoriciens de l'art contemporain. Il est, sur le plan international, le spécialiste de l'art optique et cinétique, de l'art électronique, informatique et virtuel, et du Net Art. Ce volume auquel ont collaboré nombre de ses amis, artistes, historiens de l'art et esthéticiens, retrace son parcours hors normes, donne un éclairage nouveau sur les grandes expositions historiques qu'il a montées et entre en dialogue avec son travail de chercheur. (Harmathèque)
 
 Penser l'art du geste  en résonance entre les arts et les cultures

"Penser l'art du geste", c'est comprendre ce qui guide le mouvement et la façon dont chaque geste atteint son expression la plus parfaite. Les gestes, qu'ils soient dynamiques, scéniques ou performatifs, sont perçus et analysés sous des angles variés par les différents contributeurs de cet ouvrage. Réunis par un univers esthétique commun, leurs articles se font ainsi écho, mêlant une approche à la fois directe - la sensation corporelle de l'artiste - et indirecte; à travers une connaissance poussée de l'histoire de l'art et de la littérature. (Harmathèque 2018)
Art et extériorité

Peut-on dissocier philosophie et art dans la confrontation à l'extériorité ? L'art, face à celle-ci, ne donne pas de réponses, mais pose des questions. Doit-il être sans extériorité, donc alors art pour l'art, jeu de formes ou de matières qui ne renvoie qu'à lui-même ? Les enjeux ne concernent pas tant les œuvres mêmes que notre rapport possible à ces œuvres, et à partir de là, à notre existence et à notre rapport à l'infini. Peut-être qu'ainsi l'art crée un monde, un cosmos, un univers ? (Harmathèque 2018)
Le musée, demain, Colloque de Cerisy 12-19 juin 2014

Quel est le devenir du lointain héritier de l'antique mouseion d'Alexandrie ? Pour penser l'avenir du musée, des professionnels et des experts se sont réunis. Cet ouvrage constitue une pierre angulaire pour un chantier fondamental, celui d'une refondation institutionnelle. Des approches territoriales, nationales et internationales continuent à dessiner les contours du musée que nous voulons bâtir ensemble pour demain. (Harmathèque 2018)
 Lucio Fontana - Le Spatialisme - L'aventure d'un artiste, la destinée d'un mouvement
Giovanni Joppolo

Fontana, c'est avant tout l'aventure spatialiste, la découverte d'une nouvelle dimension au-delà de la toile au moyen du trou de la fente, mais aussi le dur combat d'un homme pour prouver à ceux qu'il aime que l'art est à la fois la pertinence d'un concept et la capacité de décliner ce concept en le "comprenant" dans la matière et la forme. Cet ouvrage donne vie à la première biographie chronologique de l'artiste en utilisant ses propres termes choisis dans ses correspondances, écrits et réponses à des entretiens. (Harmathèque 2018)
 Les temps des arts et des cultures

Historiquement, "la culture", les objets, les "êtres" culturels, les phénomènes culturels sont inscrits dans le temps selon des temporalités plus ou moins longues : durée de la création d'une œuvre, transformation d'un objet en un objet patrimonial, installation des objets dans la culture. L'arrivée des industries dites culturelles a rompu cette approche : multipliant les "produits", elles nous font entrer dans l'ère de leur reproductibilité et de leur production-consommation rapide. Quelles sont les spécificités de nos approches pour comprendre comment se fait la conjugaison des temps courts et des temps longs, des temporalités linéaires, non linéaires et poly-linéaires des temporalités industrielles et des temporalités patrimoniales des objets culturels ? (Harmathèque 2018)
 La peinture en résonance : essai
Gisèle GRAMMARE


Cet essai rend compte d'une expérience qui se situe à mi-chemin entre activité artistique plastique et réflexion sur l'art. La résonance, objet de ce texte, conserve cette propriété d'accroître la durée et l'intensité d'un son. Mais en écho, elle produit des sens figurés qui l'autorisent à s'appliquer à d'autres domaines que ceux de la musique. La peinture en résonance essaiera de rendre compte de quelques expériences de cette rencontre.(Harmathèque 2018)
 Images d'images
sous la direction de François Soulages et Bruno Zorzal

Qu'en est-il des usages et des appropriations créatrices des images dans l'art contemporain, donc des images d'images ? Quand le faire prend l'air d'un refaire, nous rapportons-nous de la même manière aux œuvres, aux procédés de création, ainsi qu'à la photographie et à l'art lui-même ? Cet ouvrage propose d'étudier en quoi les images d'images renouvellent les problématiques concernant à la fois la conception, la diffusion et la réception des œuvres. (Harmathèque 2018)
 L'art brésilien au féminin

Hugues Henri


Sur les traces d'Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, artiste peintre, fonde en 1928, l'esthétique anthropophage. Tout au long du XXe siècle, y compris pendant la dictature militaire (1964-1985), et jusqu'à ce jour, des héritières brillantes lui ont succédé : Maria Martins, Lygia Pape, Lygia Clark, Anna-Maria Maiolino, Adriana Varejao. Ce livre retrace le parcours artistique exemplaire, depuis la Semaine de l'Art moderne en 1922 à Sao Paulo, où ces femmes tinrent le premier rôle. (Harmathèque 2018)

Mis à jour le 02 juillet 2018